Riccardo Muti conducts the Chicago Symphony Orchestra in triumphant “Aida”

Both of these world-class artists are complete singers sensitively attuned to Verdi’s writing, and both were fully invested in these two characters. Here and in Aida’s anguished Act 1 aria, Stoyanova imbued her singing with intensity and depth, masterfully adjusting her vocal timbre to fit every minute shift in Aida’s complicated emotions.

Rachvelishvili was every bit Stoyanova’s match, with her supple, organic phrasing and a bewitchingly smoky voice that potently conveyed her character’s conflicted feelings with ferocious punch or whispered urgency.

Francesco Meli possesses an admirably full-bodied tenor voice with no shortage of power, and he proved convincing as Radamès despite a couple of wavering high notes. Although a bit more vocal oomph would have been welcome at times, baritone Kiril Manolov was effective as Aida’s father.

Deserving special note was Tasha Koontz, a member of the Chicago Symphony Chorus making her solo debut with the orchestra as the High Priestess. She has a fulsome, penetrating soprano voice and performed with unflappable poise. Rounding out the cast were bass Ildar Abdrazakov as Ramfis, bass-baritone Eric Owens as the King of Egypt and tenor Issachah Savage as the Messenger.

The Chicago Symphony Chorus, prepared by director Duain Wolfe, was, in a word, magnificent. Taking on the roles of various groups within the opera, these singers were very much actors within the drama, delivering the expansive scenes with thunderous éclat and the smallest with delicacy and finesse.

In the end, though, this evening belonged to Muti, who was clearly in his element. He captured the full sweep and drama of this innately grand opera, making sure that every big moment was indeed big, especially the wonderfully boisterous triumphal march, with its augmented brass at each side of the stage.

In an interview for the orchestra’s webpage Muti called “Aida” a “very intimate opera,” and he made it feel that way. He leaned in and backed Stoyanova note by note in her tour de force Act 1 aria, making sure the orchestra’s playing was imbued with the same pain and vulnerability as her singing. He also knew when to hold back, offering just a scattered cue or gesture in a light, airy dance in Act 2 but not feeling the need to beat time.

There was a sense throughout that no detail was too small, that everything had to be in its place. And it all added up to what just might been the apex of a 2018-19 season with no shortage of other high points along the way.

Kyle MacMillan, Chicago Sun-Times, June 22, 2019

«Aida» vestita a nuovo per duettare con il ‘900

– Carla Moreni | June 23, 2019

This is not the usual performance in concert form, no: we are on the spaceship of the future of the opera. Here every note is perfect, and not by calligraphy, but because only total dedication to the sign returns the originality of the composer…

[Free translation]

La pur meravigliosa Aida di due estati fa, diretta da Riccardo Muti al Festival di Salisburgo, viene completamente spiazzata da questa nuova – moderna e intrigante – che si ascolta in questi giorni a Chicago, in conclusione spettacolare della stagione dei concerti. Hanno ben poco in comune, le due sorelle. Una, coi Wiener Philharmoniker, rappresentava allora l’incarnazione di tutto ciò che definiamo tradizione: bel suono, eleganza, classicità. Questa, con una Chicago Symphony strepitosa, per inventiva e duttilità, ci fa toccare con mano il Verdi più creativo e radicale. Visionario. Già proiettato in un Novecento di sogni esotici, con profumi alla Debussy e Ballabili costruiti per passi veloci e il graffio di Stravinskij.
È il motore audace dell’orchestra a portare Muti su strade inesplorate? Oppure è il Maestro che qui si consegna ad una espressività totale, sapendo di venir compreso? Le domande valgono entrambe, di fronte a una Aida che in ogni momento suona nuovissima. Fatta di tecnica strumentale e fantasia di pensiero, spiccate. Dove ovviamente l’ebbrezza si contagia alla compagnia di canto, che tutta insieme, dalle primedonne fino al messaggero, fa più teatro qui che nei luoghi deputati. Scavando nella parola, mirando a un teso racconto. Non siamo alla solita esecuzione in forma di concerto, no: siamo sulla astronave del futuro dell’opera. Qui ogni nota è perfetta, e non per calligrafia, ma perché solo la dedizione totale al segno restituisce l’originalità del compositore. La sentiamo quando i primi violini nel Preludio arrivano esattamente insieme sul disegno ascendente e colpiscono, tac, immacolati, là dove di solito si miagola; oppure nel balzato degli archi, tutti a identica distanza; e ancora nei tremoli, serrati, uguali dal primo all’ultimo leggio. La qualità sinfonica della CSO è arcinota. Qui tuttavia si arricchisce di preziosità che danno spolvero, luce, gesto. Muti chiede una Aida da camera, raccolta, dove il canto si specchi sempre in un riverbero singolo in orchestra. E dove Cantabili e Arie sboccino dai Recitativi, tanto screziati, nella adesione al ritmo interno della parola, da diventare loro i momenti più interessanti. Anche perché detti con quantità di sfumature, di pesi, di volumi, dal parlato al sussurro al grido, da alta scuola attoriale.
Il Verdi dei Recitativi è di una modernità da cinema, è zoom nell’anima. Ad esempio, quando la Aida sognante di Krassimira Stoyanova (prudente, anche per una indisposizione che l’ha costretta a risparmiarsi sulle prove) riesce a distruggere il castello dei cieli azzurri con due parole: «Ma dimmi». In quell’avversativa, nello scarto emotivo verso Radames, c’è l’intero rovesciamento della storia. Plagiato dal solito padre negativo verdíano, l’Amonasro di Kirill Manolov, terrifico nel crescendo della condanna. Francesco Meli pronunciale fatali «Gole di Napata» come un automa: fin qui ha cantato a meraviglia, per intonazione, slancio, innocenza pura; ma qui supera se stesso. È già condannato. Freddo di morte. La riscatterà poi, con lei, nell’estremo sogno, sublime, nella tomba. Ma qui la vincente protagonista è la Amneris di Anita Rachvelishvili, incantevole mezzosoprano, di generosità scure, profonde, e infinite ombre nel registro chiaro: tra le due donne rivali – che deliziano Muti, è evidente, una a destra e l’altra a sinistra – è lei la più cangiante, la più donna. Nella caparbietà di essere amata (come ammette assoluta il proprio cuore «sacro per sempre») e nella disperazione del confronto con il Sacerdote di lusso di Ildar Abdrazakov, implacabile nella ragione della legge.
Ed è continuamente questo doppio registro, pubblico e privato, di sguardi e di masse, che Muti dipinge e alterna con mano magistrale. Rendendo Aida serratissima. Di qui gli squarci corali, col Chicago Symphony Chorus anticato, nei richiami battenti alla Gabrieli o ancora più indietro nel gregoriano da monaci in cripta. Di là le ultime battute, dove «pace» ripetuto prende un’eco mediterraneo, fino a svanire, dando all’opera il suggello del capolavoro.

Carla Moreni, Il Sole 24 Ore, June 23, 2019