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Muti & Chicago o La Magia inmanente
– di Sebastian Spreng | 12 febbraio 2020
Por segundo año consecutivo la Serie Clásica del Adrienne Arsht Center tuvo la astucia y privilegio de recibir a la Chicago Symphony Orchestra capitaneada por el ya legendario Riccardo Muti, hoy por hoy una combinación imbatible. La máxima orquesta al oeste del Atlántico (con apenas dos o tres rivales al otro lado del charco) bajo el liderazgo del último representante de una estirpe gloriosa que se remonta a Arturo Toscanini evidencian una afinidad y consustanciación absolutas, aquí la química entre Europa y América funciona irrebatible, sana y renovada. A sus briosos setenta y ocho años, el carismático maestro napolitano ofreció un concierto modélico reviviendo su indiscutible versatilidad, su autoridad musical y escénica, su férreo control de músicos y público (le bastó mover dos dedos con elegancia sin par para silenciar un atisbo de aplauso inoportuno entre movimientos) para conducir el discurso musical hacia un estado de gracia de una orquesta poseedora de un sonido único así como gran parte de la audiencia. Y aquello que se perfilaba como “el concierto del año”, lo fue dejando una impronta indeleble.
Muti e la Chicago o La magia immanente
Per il secondo anno consecutivo, l’Adrienne Arsht Center ha avuto la scaltrezza e il privilegio di ricevere la Chicago Symphony Orchestra guidata dal leggendario Riccardo Muti, oggi una combo imbattibile. L’orchestra migliore a ovest dell’Atlantico (che conta solo un paio di rivali oltreoceano), sotto la guida dell’ultimo rappresentante di un glorioso lignaggio risalente ad Arturo Toscanini, mostra con il suo direttore un’assoluta affinità e consustanziazione in cui la chimica fra Europa e America funziona in maniera imbattibile, forte e rinnovata. All’illustre età di 78 anni, il carismatico maestro napoletano ha offerto un modello di concerto che ha ripercorso la sua indiscutibile versatilità, la sua autorità musicale e scenica, il forte controllo dei musicisti e del pubblico (è stato sufficiente muovere due dita con un’eleganza impareggiabile per zittire un incipit inopportuno di applauso tra due movimenti) per poi dirigere il discorso musicale verso uno stato di grazia di un’orchestra dal suono unico, ma anche di larga parte del pubblico. E a ciò che era stato descritto come “il concerto dell’anno” è stato lasciato un segno indelebile.
(libera traduzione)
Desde tiempos de Georg Solti, la obertura de El holandés errante ha sido sinónimo de la CSO y plato presentación ideal de un ensemble célebre por sus metales que atronaron soberanos en el Knight Hall. Menos impulsivo que el húngaro, mas rotundo y veraz, el feroz adalid del “come scritto” entregó una lectura wagneriana tan perfecta como habría de ser toda la velada balanceando la sedosa astringencia de las cuerdas sutilmente entretejidas con el poderío enceguecedor de los bronces.
Le siguió un obra lamentablemente poco frecuentada que en sus manos resultó la revelación que debe ser, la Sinfonía Matías el pintor que Paul Hindemith compuso en 1934 a instancias de Wilhelm Furtwängler en plena asunción del nazismo sobre Matthias Grünewald (1476-1528) autor del maravilloso Altar de Isenheim, y cuyo dilema existencial halló obvio eco en el compositor y tantos otros. Atormentado entre arte y política, estos interludios sinfónicos que sirven de pórtico a la ópera homónima, resumen la lucha por expresarse libremente en un aciago clima de turbulenta represión. Dividida en tres “tableaux”- Concierto angélico, Entierro y La tentación de San Antonio – parece mentira que este místico, sublime tríptico fuera etiquetado de “degenerado” por los nazis motivando un escándalo mayúsculo que llevó a la dimisión del director – lo había defendido en el sonado escrito El caso Hindemith – y el consecuente exilio del compositor. Extraordinaria pieza de orfebrería musical, en el triunfo de la gracia que culmina con la secuencia gregoriana medieval del Corpus Christi, la orquesta literalmente transformada en órgano tubular plasmó una asombrosa catedral sonora favorecida por la amplia acústica del Knight Hall.
En la segunda mitad, Muti volvió a hacer magia reverdeciendo los laureles de la popular Novena Sinfonía -del Nuevo Mundo– de Dvorak con una lectura rebosante de lirismo ejemplar, iluminando rincones desconocidos, imbuída en partes iguales de fervor y exactitud. Severo pero afable, Muti creó un inmenso tapiz tejido minuciosa e impecablemente para lucimiento de cada sección de la orquesta volviendo a demostrar su camaleónica versatilidad estilística. Una versión tan refrescante como inolvidable que resultó justamente ovacionada.
Como bis, no por tratarse del mismo del año pasado resultó menos emocionante, genuino testimonio de su inclaudicable, visceral amor por la ópera, el titán italiano regaló el breve Intermezzo de Fedora de Giordano trazado con infinita dulzura y luz crepuscular, quizás un tácito homenaje a uno de los últimos personajes de la recientemente fallecida Mirella Freni, “este Amor ti vieta, suele quedarle mucho mejor a esta orquesta que a los tenores para los que fue compuesta” bromeó el maestro. Dicho y hecho, la orquesta la “cantó” como ninguno y el regreso a casa proveyó una tan insólita como reconfortante calidez mediterránea.
No puede dejar de enfatizarse que se trató de una lección desde todo punto de vista. Asi debe ser un concierto, así se hace música, así se educa, asi se extasía al público, asi se preserva la gran tradición. Muti y CSO reconfirmaron que el modelo no está caduco, que no necesita ni aditamentos, ni concesiones ni amaneramientos superfluos, cuando las cosas se hacen como se debe está todo dicho: basta la música. Gracias maestrissimo, gracias Chicago. Regresen pronto.
Non si enfatizzerà mai abbastanza quanto questa sia stata una lezione da ogni punto di vista. È così che dovrebbe essere un concerto, così che si fa musica, così che ci si forma e così che si incanta il pubblico. Muti e la CSO hanno riconfermato che il modello non è obsoleto, che non necessita di accessori, concessioni o lampi di genio superflui, quando le cose vengono fatte come si deve, è detto tutto: basta la musica. Grazie, maestrissimo. Grazie, Chicago. Tornate presto.
(libera traduzione)
Sebastian Spreng, Miami Clásica, 12 febbraio 2020
Chicago Symphony bookends Prokofiev in ‘Romeo and Juliet,’ groundbreaking Symphony No. 3
– di Harriet Howard Heithaus | 14 febbraio 2020
La Chicago Symphony inquadra Prokof’ev nel Romeo e Giulietta, Sinfonia n. 3 all’avanguardia
What audiences heard Thursday night at Artis—Naples was two love stories filtered through the musical mind of Sergei Prokofiev. Both carried tragic overtones, but both were engagingly and powerfully composed.
So who better to bring them to us than the Chicago Symphony Orchestra with Music Director Riccardo Muti? These are works that make precision turns, cross the entire spectrum of dynamics and demand shadings you won’t hear for years. There’s no orchestra more capable of doing that than the CSO.
Ciò che il pubblico ha sentito giovedì sera all’Artis di Naples sono state due storie d’amore filtrate dalla mente musicale di Sergej Prokof’ev. Entrambe composizioni dalle armonie tragiche, ma entrambe avvincenti e potenti.
Quindi chi meglio della Chicago Symphony Orchestra e il Music Director Riccardo Muti per portarle a noi?
(libera traduzione)
For contrasts, think about the unnerving anger served up in the Montague-Capulet theme, probably one of the best known in the Suite from “Romeo and Juliet” that opened the concert. Within minutes, it whirls around to focus on a buoyant string dance built around the playful Juliet. The segment of the masked ball nearly struts out with a jazzy introduction and leaps into a series of Prokofiev’s arresting accidentals.
There’s little time for the orchestra to breathe here; even the minuet goes into grand scale with a trumpet melody to articulate the melody and some exotic brass harmonics. In its performance, the Chicago Symphony scoops up equal parts of freshness and intensity. Even the painful moments are fascinating.
Muti radiates that intensity himself from the podium, and not necessarily for the large sounds; he nearly becomes airborne several times when he’s urging the orchestra — quite successfully — to keep Juliet’s carefree dances immune from gravity.
[…] Con quest’esecuzione [Suite da Romeo e Giulietta], la Chicago Symphony fa emergere momenti di eguale freschezza e intensità. Persino i momenti dolorosi sono affascinanti.Muti irradia lui stesso quella intensità dal podio e non necessariamente per i suoni ampi. Più volte si fa leggero e trasportato dal vento nei momenti in cui incoraggia l’orchestra – con gran successo – a mantenere le danze di Giulietta come prive di gravità.
(libera traduzione)
There’s room for an abundance of solo work within the orchestra, like Li-Kuo Chang’s impressively strong, sweet viola solo in the “Before Parting” sequence. The Chicago Symphony has the kind of percussion and brass sections conductors pray for — all controlled power and clarity — and few composers show that off so well as Prokofiev in both “Romeo and Juliet” and his Symphony No. 3.
Prokofiev’s Symphony No. 3 is based on his opera, “The Fiery Angel,” which incensed Soviet sensitivities so much Prokofiev kept it — and the symphony, which apparently riled Stalin — out of sight.
It is not the kind of symphony you’d curl up in a hammock with. Nor is it the kind of symphony you take a theme or two hum. In fact, it’s not even the kind of symphony some of us would buy for listening; we fear the power it wields in live performance would be diluted.
Prokofiev didn’t plan to make his Third Symphony “opera lite,” but to expand on some of its themes, and he did not spare the horses in that.
From an opening that crashes over the audience to an ending on close to a full run, it’s a complex, fascinating work. The brass instruments occasionally talk their own game while the violins spin a legato melody. The demands on the percussion put them at odds with other timing, a treat for the audience, if not for the other sections of the orchestra.
The symphony doesn’t linger on its melodies, but seems to open one door after another on ideas, and it’s a mesmerizing piece. Motifs like note pairs and brass statements return and, in the final movement, there’s a redux of the first themes on steroids
Through it all, the CSO strings are core strength in this work. They offer ethereal melodies; they function as percussion in tempo-forward series; they create the eerie opening atmosphere of the third movement with a series of tire squeals and high-speed sequences that’s beyond amazing.
Prokofiev embedded in the symphony a sense of foreboding, at even the lightest moments, it clings to this work like the light mist on your windows in the morning. The symphony and Muti caught every note of that, and gave their listeners the kind of riveting performance the composer meant for it. I would come to a second performance of this in a heartbeat. (Saturday night’s program is different, however; see the information box.)
Muti sensed the audience appreciation, and he and the orchestra obliged the ovation with a surprise: a full orchestral reverie from Scriabin, who’s known primarily for his piano works. It was a thoughtful piece, by turns pensive, slightly apprehensive and finally surrendering.
Prokof’ev ha incastrato nella sinfonia un senso di presagio, persino nei momenti più leggeri, che rimane aggrappato a quest’opera come la foschia mattutina alle finestre. La Symphony e Muti ne hanno colto ogni nota e hanno reso ai loro ascoltatori quel tipo di esecuzione affascinante che il compositore aveva pensato per la propria opera. Ci fosse una seconda performance identica, ci tornerei in un batter d’occhio.
Muti ha percepito l’apprezzamento del pubblico e così lui e l’orchestra hanno omaggiato l’ovazione con una sorpresa: una rêverie di Skrjabin, prevalentemente noto per i suoi componimenti per pianoforte. Un brano profondo, in certi momenti meditativo, leggermente apprensivo, fino alla resa finale.
(libera traduzione)
But that was only after the maestro wandered over to stage to pointedly wave goodbye to the thoughtless contingent who walked out during the middle of the applause. I am probably not the only music lover who wanted to crawl under a seat in mortification.
Harriet Howard Heithaus, Naples Daily News, 14 febbraio 2020
11 febbraio, Miami
12 febbraio, Sarasota
13 febbraio, Naples
© Photo by Todd Rosenberg
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